Da épica bíblica aos dramas com Lady Gaga, de Falcão Negro em Perigo a Blade Runner — nosso ranking completo dos grandes sucessos (e fracassos) de Sir Ridley.
Marcos da ficção científica, épicos de capa e espada, neo-noirs sofisticados, thrillers policiais brutais, filmes de terror sangrentos, road movies sobre a amizade entre mulheres, filmes de guerra, comédias românticas, dramas de época suntuosos, parábolas sobre a chegada à vida adulta — Ridley Scott já fez praticamente todo tipo de filme que se possa imaginar, com exceção de musicais e faroestes.
(E há bons argumentos para dizer que seu trabalho mais recente, uma adaptação do romance distópico Ponto Sem Retorno, é, na verdade, um faroeste disfarçado.) Ele já contou histórias ambientadas em 1300 a.
C. e no século 22, dando espaço de tela respectivamente a gladiadores romanos e androides paranoicos, e tem a capacidade de passar de grandes sequências de batalha a conversas íntimas entre duas mulheres em uma estrada aberta.
Ao longo de uma carreira profissional que já dura cinco décadas — seis, se considerarmos seus primeiros dias como cenógrafo da BBC, no início dos anos 1960, e sua prolífica atuação no mercado publicitário no começo dos anos 1970 —, Scott fez de tudo.
E o cineasta de 88 anos, aparentemente incansável, não dá sinais de que pretende desacelerar ou parar tão cedo.
A enorme diversidade no currículo de Scott, no entanto, não se limita aos gêneros. Ela também se estende à qualidade de seus trabalhos. Ao revisitar sua filmografia, você encontrará obras-primas, verdadeiros acidentes cinematográficos e tudo o que existe entre os dois extremos.
No espírito da admiração, a Rolling Stone montou um ranking dos melhores e piores longas de Ridley Scott — os bons, os ótimos e os não tão bons. Veja abaixo.
29º lugar: Êxodo: Deuses e Reis (2014).
Olha, pessoal, é difícil fazer um épico bíblico. Era difícil nos anos 1920 e 1950, quando o público de cinema provavelmente era mais tolerante. E definitivamente era difícil em 2014, mesmo que você possa reunir um elenco de milhares de pessoas com um simples clique do mouse.
Scott talvez seja um dos poucos cineastas modernos capazes de fazer funcionar um espetáculo de época, como várias entradas desta lista comprovam. Mas, meu Deus — trocadilho intencional —, essa releitura da história de Moisés conduzindo seu povo para fora da escravidão é tão atroz que faz espectadores abandonarem as salas aos montes.
Não dá para dizer que Christian Bale não esteja 100% comprometido, como de costume, ao interpretar o profeta que passa de amigo de infância de Ramsés II a revolucionário a.
C., embora seja um mistério saber por que, diante do desastre cinematográfico que acontece ao seu redor. O elenco reúne estrelas suficientes para formar uma lista A — Joel Edgerton, Sigourney Weaver, Ben Kingsley, Aaron Paul, John Turturro, Ben Mendelsohn em modo camp máximo — e acreditar ou não que a maioria deles deveria ter sido escalada como egípcios é uma questão entre você e seu(s) Deus(es).
Mas o fato de todos precisarem dizer diálogos realmente constrangedores entre ataques de crocodilos e tentativas de escapar de ondas gigantes em CGI sugere que não há providência divina presente ou registrada aqui.
27º lugar: 1492 – A Conquista do Paraíso (1992).
É perfeitamente compreensível que Scott quisesse realizar uma produção gigantesca centrada em Cristóvão Colombo, mesmo que não fosse o 500º aniversário de sua viagem inaugural ao “Novo Mundo” — ele é um personagem perfeito para o tratamento de um suntuoso drama de época.
Mas o resultado final da exploração de Sir Ridley sobre a ascensão e eventual queda de Colombo é tão desastroso quanto a tentativa do navegador de estabelecer o domínio colonial na ilha que batizou de San Salvador, ainda que não tão violento.
As interações entre os povos indígenas parecem não se encaixar na intriga palaciana que acontece na Espanha nem nas sequências de ação em terra e no mar; os vilões interpretados por Armand Assante e Michael Wincott parecem estar constantemente a um giro de bigode de amarrar uma donzela aos trilhos de uma ferrovia; e, embora você imaginasse que Gerard Depardieu seria a escolha perfeita para interpretar o venerável capitão, ele parece estranhamente perdido durante todo o filme.
Embora concordemos com Scott que o público americano deveria ser mais tolerante com sotaques europeus, a absoluta incompreensibilidade de boa parte de seus diálogos não ajuda em nada.
Scott enfrentou alguns fracassos de crítica e bilheteria no início e em meados dos anos 1980. Mas enquanto, digamos, Blade Runner passou a ser celebrado como uma obra visionária, o filme seguinte do diretor não teve o mesmo destino — e por bons motivos.
Há coisas dignas de elogio em A Lenda, incluindo seus impressionantes efeitos práticos e seu design de produção mágico. Mas essa fantasia empolada — cheia de elfos, fadas e um Tom Cruise com cara de bebê e cabelos compridos no papel de Jack O’ the Green — continua sendo uma mistura confusa de diferentes influências dos quadrinhos e da fantasia.
Fiel ao seu estilo, Scott acabaria lançando uma versão do diretor mais longa, mas nem ela conseguiu salvar esse honroso fracasso. Só não conte isso a Scott: “A Lenda ainda funciona hoje”, insistiu ele em uma entrevista de 2015.
O detetive Mike Keegan (Tom Berenger) é encarregado de proteger a socialite Claire Gregory (Mimi Rogers) depois que ela testemunha o assassinato cometido por um chefe da máfia.
Apesar da vida familiar feliz com a esposa (interpretada com muito charme por Lorraine Bracco) e um filho agitado, Mike se apaixona por Claire, envolvendo-se em um caso absurdo e moralmente ambíguo criado por Scott e pelo roteirista Howard Franklin.
É um neo-noir genérico, com o tipo de estética que define os thrillers do fim dos anos 1980 — do vapor saindo das grades enquanto Mike percorre as ruas de Nova York à noite ao saxofone de jazz tocando sem parar na trilha sonora.
Parece que ninguém estava tomando conta disso. — Emily Zemler.
Esta adaptação do romance de 2007 de David Ignatius foi a tentativa de Scott de oferecer um retrato mais nuançado do Oriente Médio em meio às tensões pós-11 de Setembro, ao mesmo tempo em que questionava os superiores moralmente nebulosos que comandam a CIA.
Mas, apesar de uma tentativa bem-vinda de evitar demonizar a região, a trama acaba sendo confusa demais. Como resultado, Scott deixa vários bons atores perdidos — incluindo Mark Strong como um astuto agente jordaniano e Golshifteh Farahani como interesse romântico de DiCaprio — em um drama político bem-intencionado e descartável.
Parte filme de amadurecimento, parte filme-catástrofe e parte comercial superintenso da J. Crew, a versão de Scott de uma tragédia real — na qual um veleiro que transportava vários estudantes foi atingido por uma tempestade branca em 1961, provocando várias mortes — se beneficia do enorme poder de suas estrelas principais e de um dos mais carismáticos elencos de rostos jovens da era Clinton.
Você sabe que Scott Wolf, Ryan Phillippe, Jeremy Sisto e o restante daquela turma desajustada de menores de 21 anos aprenderão algumas duras lições de vida a bordo do bom navio Albatross antes de serem jogados de cabeça na vida adulta.
E, considerando a maneira como Scott dá a Jeff Bridges uma verdadeira entrada de herói, fica claro que seu Sr. Chips dos mares é a personificação de uma figura paterna durona, mas empática — o que só torna a catástrofe do terceiro ato ainda mais devastadora.
A tempestade permite que Scott mostre seus músculos como diretor de uma maneira que transforma a sequência em um dos grandes momentos do filme. Todo o resto parecerá muito familiar.
Talvez nenhum dos filmes de Scott tenha sido mais beneficiado por uma versão estendida do diretor do que este épico de tela ampla, imperfeito, mas fascinante, ambientado durante as Cruzadas.
Orlando Bloom interpreta Balian, um simples ferreiro francês que viaja para Jerusalém e se torna um herói do povo no processo. A versão original, lançada nos cinemas em maio de 2005, tem a dimensão de um imponente drama histórico, mas deixa de lado as dinâmicas entre os personagens que dariam uma sustentação emocional ao que pretendia ser um blockbuster.
Mais tarde naquele ano, Scott apresentou uma versão mais longa, com mais de três horas de duração, permitindo que um enorme elenco — que incluía Eva Green e Edward Norton — tivesse mais espaço para respirar.
É um investimento superior, embora a versão do diretor não elimine completamente os problemas de ritmo do original nem a atuação sólida, mas pouco inspirada, de Bloom no papel principal.
Se a improvável comédia romântica de Scott — que reuniu o diretor com Russell Crowe, estrela de Gladiador — fosse lançada hoje, provavelmente estaria no topo das listas de conteúdo das plataformas de streaming.
O vencedor do Oscar interpreta um banqueiro londrino rico e falastrão cuja vida vira de cabeça para baixo quando seu tio morre, deixando para ele um castelo em ruínas e um vinhedo na Provença.
O filme tem tudo o que você esperaria: um interesse amoroso local (Marion Cotillard), uma prima inesperada que pode ameaçar a herança (Abbie Cornish), uma safra secreta de vinho sendo vendida no mercado negro e as inevitáveis cenas de reforma do castelo.
Há uma doçura genuína aqui que raramente se vê em um cineasta mais conhecido por seus espetáculos. É possivelmente o melhor filme da Netflix que não foi produzido pela Netflix.
Pergunta rápida: qual foi o único sucesso legítimo de bilheteria de Ridley Scott nos anos 1980? Foi este thriller policial superestiloso, ultracool e bastante superficial, estrelado por Michael Douglas como Nick, um experiente detetive de Nova York que viaja para Osaka com seu parceiro (Andy Garcia) para entregar às autoridades locais um assassino da Yakuza.
A transferência, porém, dá errado, levando a um filme de ação frenético sobre um peixe fora d’água, no qual Nick precisa entender como funcionam a lei e a ordem no Japão.
Scott não estava tentando se livrar da fama de ser todo estilo e pouca substância, mas, apesar de suas deficiências evidentes, Chuva Negra, banhado em neon, entrega as diversões de um bom filme B e cumpre com confiança sua missão de lotar as salas.
Parte cinebiografia, parte drama policial, Casa Gucci finalmente mostrou Scott documentando a dinastia Gucci, depois de adquirir anos antes os direitos do livro de 2001 de Sara Gay Forden, The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed.
E, rapaz, ele foi com tudo: escalou Lady Gaga como Patrizia Reggiani, a futura esposa do herdeiro da grife, Maurizio Gucci (Adam Driver, fazendo o melhor que pode com um sotaque difícil).
Os figurinos, cabelos, maquiagem e cenários são tão ornamentados quanto as atuações, e não há dúvida de que Scott levou à produção um senso maximalista de camp dramático.
É um cinema sensacionalista da melhor maneira possível, mesmo que conte com uma das atuações mais irritantes de Jared Leto até hoje. — EZ.
17º lugar: Todo o Dinheiro do Mundo (2017).
O filme de Scott sobre o infame sequestro de John Paul Getty III — e a recusa de seu avô, J. Paul Getty, em pagar o resgate — provavelmente é mais conhecido pelo drama ocorrido nos bastidores do que pelo que aparece na tela.
Originalmente, ele havia escalado Kevin Spacey como o Getty mais velho; pouco depois do fim das filmagens, porém, surgiram acusações de má conduta sexual contra o ator.
Scott foi obrigado a substituí-lo por Christopher Plummer e refilmar todas as cenas do personagem em apenas oito dias. Ainda assim, o resultado é surpreendentemente impecável e serve como prova da habilidade de Scott como cineasta.
Plummer é magnético e poderoso no papel, pelo qual foi indicado ao Oscar, ao BAFTA e ao Globo de Ouro. Mas é Michelle Williams, como Gail Harris, mãe do Getty sequestrado, quem rouba a cena.
Em seus filmes mais recentes, Scott demonstrou profundas ressalvas em relação à Teoria do Grande Homem, transformando obras como Todo o Dinheiro do Mundo e Casa Gucci em críticas sutis a homens ambiciosos e moralmente cegos.
Há também um forte senso de sátira percorrendo esta cinebiografia, que retrata Napoleão Bonaparte como um tirano governado por ressentimentos e inseguranças. Joaquin Phoenix é uma escolha perfeita: o astro vencedor do Oscar se recusa a interpretar Napoleão como qualquer tipo de líder inspirador e, em vez disso, abraça o comportamento mesquinho e miserável do personagem.
Não que Scott tenha perdido qualquer de sua impressionante habilidade para encenar batalhas épicas, mas até aqui Napoleão procura desconstruir o mito do brilhante estrategista militar.
No fim das contas, o filme funciona melhor como uma comédia de humor ácido e sombrio, com Vanessa Kirby venenosa no papel de Joséphine, a amante infiel de Napoleão, que se revela a estrategista mais fria dos dois.
Filmes leves e divertidos não são exatamente uma especialidade de Ridley Scott — o que torna esta engraçada e cheia de reviravoltas aventura protagonizada por Nicolas Cage uma exceção bem-vinda.
Não que seja uma mudança de rumo completamente natural: os congelamentos de imagem e as transições nervosas parecem uma imitação trabalhosa de Steven Soderbergh na era Onze Homens e um Segredo, ainda que tenham a intenção de evocar o TOC do personagem de Cage, um golpista cujo grande golpe é complicado pelo aparecimento de uma filha (Alison Lohman) que ele não sabia que tinha.
Mas nem mesmo um pouco de direção excessiva consegue estragar os prazeres de um filme de trapaça que surpreende o público sem fazer com que nos sintamos idiotas por termos investido emocionalmente em seus relacionamentos.
Apesar de seus tiques exagerados e de interpretações de falas tipicamente grandiosas (“Você já foi arrastado até a calçada e espancado até… MIJAR SANGUE?”), Cage oferece uma humanidade dolorida que às vezes falta aos exercícios de gênero de Scott.
Sim, este é mais um filme de Alien, no sentido tradicional de criaturas rangendo os dentes e causando caos, do que Prometheus. Ao criar um segundo prelúdio para seu seminal pesadelo cósmico, Scott entrega a obrigatória carnificina de múltiplas bocas que o título da franquia promete.
Mas ele também volta muito mais longe que 1979, rastreando as raízes da série que criou até as próprias origens da ficção científica: quando outra tripulação condenada encontra uma nave caída com a atmosfera de uma mansão gótica, fica claro que o diretor está dando uma versão moderna de Frankenstein.
Ele até encontra uma figura de Frankenstein em David, um dos dois sintéticos — idênticos na aparência, mas não nas motivações — interpretados por Michael Fassbender.
Muito mais do que o aumento no fan service para os fãs dos Xenomorfos, é o duplo papel perverso do astro que torna tudo duas vezes mais divertido aqui. — AAD.
Quatro décadas depois de sua celebrada estreia, Scott voltou aos duelistas franceses — desta vez, dramatizando o lendário conflito entre um cavaleiro (Matt Damon) e um escudeiro (Adam Driver), que lutam até a morte por causa das acusações feitas pela esposa do primeiro (Jodie Comer).
O roteiro de Damon, do também protagonista Ben Affleck e da cineasta independente Nicole Holofcener reconta essa história real a partir de, bem, perspectivas conflitantes, oferecendo três versões dos acontecimentos e permitindo essencialmente que os atores apresentem três performances distintas.
Embora a estrutura lembre superficialmente Rashomon, o filme é menos uma releitura do que uma contestação, rejeitando a ideia de que a verdade é inerentemente subjetiva — porque, afinal, quem se beneficia disso além daqueles que esperam escondê-la.
O clímax do julgamento por combate é brutal (uma típica sequência de pancadaria de Scott), mas não mais do que o espetáculo de uma mulher sendo arrastada pelo tribunal do ceticismo baseado no “ele disse, ela disse”.
Depois de ver diretores demais tentando se aventurar em sequências de Alien, o homem por trás do incontestável original voltou à franquia que havia criado — e entregou um prelúdio grandioso e sombrio.
Ambientado cerca de 30 anos antes do marco da ficção científica de Scott de 1979, Prometheus demora para revelar os assustadores xenomorfos que aprendemos a amar e temer.
Mas essa espera elegante dá a Scott espaço para construir a tensão enquanto conhecemos uma tripulação completamente nova, liderada pelo arrogante e estranhamente sensível androide David, interpretado por Michael Fassbender em uma performance que evoca Peter O’Toole.
Então vem o terror, tão frio e visceral quanto no primeiro Alien. Raramente um cineasta revisitou um triunfo do passado com tanta naturalidade, trazendo uma perspectiva mais velha e cautelosa sobre a eterna arrogância da humanidade e sua capacidade infinita de autodestruição.
11º lugar: Até o Limite da Honra (1997).
Scott e Russell Crowe passaram anos brincando com a ideia de uma sequência de seu épico vencedor do Oscar de 2000; Crowe chegou a encomendar um roteiro a Nick Cave, que acabou não funcionando muito bem (mas foi uma viagem e tanto).
Mas Sir Ridley estava determinado a continuar a história de alguma forma, considerando o quanto o filme continuava popular. Quando finalmente encontrou uma trama envolvendo o filho adulto de Maximus lutando nas arenas, porém, o cineasta estava pronto para voltar ao coliseu — e ainda bem que voltou.
Esta continuação da saga de espada e sandália dá a Paul Mescal um papel de destaque como Lucius Aurelius, um homem comum vendido como escravo aos romanos que acaba se revelando um gladiador de primeira.
Há emoção, tensão, algumas sequências de tirar o fôlego (aquela batalha naval falsa!) e Fred Hechinger podendo interpretar Calígula em sua versão mais insana, como um imperador enlouquecido.
Mas não vamos nos enganar: este é o filme de Denzel Washington e, desde o momento em que entra em cena, o veterano domina Gladiador II. Sua virada para o lado dos vilões como um articulador de poder de olho no prêmio político é uma de suas melhores atuações, ponto final.
Só isso já é suficiente para garantir ao filme uma posição tão alta no ranking. — DF.
9º lugar: Falcão Negro em Perigo (2001).
Um procedimento militar filmado como um filme-catástrofe (ou talvez o contrário), a angustiante adaptação de Scott do livro de Mark Bowden sobre a Batalha de Mogadíscio — na qual uma operação militar realizada em 1993 para capturar líderes de milícias somalis se transformou em um confronto de dois dias e resultou na morte de soldados americanos — ainda faz você sentir que foi jogado no meio de uma zona de combate ativa.
A sensação de “você está lá” na segunda metade da operação completamente fora de controle do filme é, no mínimo, construída para deixar os nervos à flor da pele.
Scott está claramente atrás da experiência adrenalínica de estar sob fogo tanto quanto de recontar uma história. E o fato de ter recheado o elenco com uma seleção de rostos conhecidos — Ewan McGregor, Josh Hartnett, Orlando Bloom, Sam Shepard, Eric Bana, Jeremy Piven, Tom Sizemore, Jason Isaacs — ajuda a amenizar algumas das críticas de que não temos tempo suficiente para conhecer cada um dos soldados antes que a coisa toda vá pelos ares.
Sir Ridley deu a Denzel Washington um de seus melhores papéis neste drama baseado em fatos reais sobre Frank Lucas, o notório chefão do Harlem que construiu discretamente um império nos anos 1970 contrabandeando heroína do Vietnã para os Estados Unidos.
Essa saga de ascensão e queda de um gângster já seria suficiente para Scott montar sozinho um épico à moda antiga, mas o diretor também dedica espaço a Richie Roberts (Russell Crowe), o detetive de Newark que formou a força-tarefa que acabaria derrubando Frank.
Scott alterna tanto entre essas duas histórias paralelas que você chega a se perguntar se ele está tentando fazer suas próprias versões de O Poderoso Chefão e Operação França ao mesmo tempo; quando as duas tramas finalmente se encontram, o cineasta já nos ofereceu um retrato vertiginoso do crime e da cidade, reforçando ainda mais o lado áspero.
A sequência em que Washington mata um rival a tiros na rua sem sequer piscar é suficiente para garantir a este filme um lugar no Top 10. — DF.
7º lugar: O Conselheiro do Crime (2013).
Diga o que quiser sobre o único roteiro original de Cormac McCarthy, um thriller policial cheio de reviravoltas envolvendo um advogado (Michael Fassbender), cartéis mexicanos e as consequências de perseguir o sonho americano por meio do tráfico de drogas ao sul da fronteira: Ridley Scott sabe exatamente como traduzir para as telas a voz singular do autor.
(O fato de ele nunca ter conseguido tirar do papel sua adaptação de Meridiano de Sangue é uma tragédia de proporções inimagináveis.) Uma das obras mais divisivas da extensa filmografia de Scott — o que já quer dizer muito —, este neo-noir elegante sobre um negócio que dá errado e literalmente faz cabeças rolarem não poderia parecer mais frio ou brutal, o que torna sua visão impiedosa do capitalismo tardio desenfreado ainda mais alinhada à visão de mundo árida e apocalíptica de McCarthy.
O filme também parece ter custado uma fortuna, conta com um elenco e tanto (Brad Pitt, Javier Bardem, Penélope Cruz) e ostenta seu niilismo do século 21 na manga sob medida.
E, caso você ache que Sir Ridley tem medo de ficar estranho, ele ainda faz uma pausa para Cameron Diaz transar com o para-brisa de um carro. É ainda mais estranho e perturbador do que parece.
Uma joia extremamente subestimada. — DF.
De que outra maneira, senão com o clangor do aço, Sir Ridley poderia ter iniciado a carreira? Scott acompanha uma disputa pessoal que ganha contornos cada vez mais absurdos — a história cada vez mais farsesca de um soldado francês (Keith Carradine) perseguido por um colega oficial (Harvey Keitel), que o desafia repetidamente, durante décadas e por motivos que nunca explica, para um duelo até a morte.
Este drama histórico perverso e, como é característico de Scott, belíssimo transforma uma rivalidade sem sentido — reacendida a cada poucos anos, sem falhar — em uma fábula de advertência sobre a adesão a códigos de honra inúteis, independentemente do risco.
Scott logo mudaria definitivamente o foco para as preocupações de Hollywood, mas sua estreia celebrada em Cannes ecoa por toda a sua filmografia. — AAD.
Até o astro Matt Damon precisou rir quando o Globo de Ouro relegou seu épico thriller de sobrevivência que atravessa a galáxia à categoria de comédia. Ainda assim, há piadas de sobra nesta adaptação do primeiro best-seller de hard science fiction do autor Andy Weir, na qual o botânico interpretado por Damon fica sozinho em Marte e precisa descobrir uma maneira de “usar a ciência até o talo” para resolver seu dilema.
Alternando entre o herói obstinado e perseverante e um elenco de estrelas (Jessica Chastain, Chiwetel Ejiofor, Kristen Wiig, Sebastian Stan, Donald Glover, Jeff Daniels) se desdobrando do outro lado do Sistema Solar, Scott cria uma emocionante ode à colaboração, à ciência e a “resolver o problema”.
É como Apollo 13, só que em uma escala ainda maior. — AAD.
Era um retorno a um gênero clássico do cinema do século 20 que havia sido aposentado há muito tempo — o épico de espada e sandália — e, maldito seja, Ridley Scott conseguiu restaurar temporariamente nossa fé em um gênero dado como morto.
Russell Crowe estava no auge de sua fase de astro de cinema quando interpretou Maximus Meridius, um general romano traído por Commodus (Joaquin Phoenix, em uma atuação que parece um aquecimento precoce para seu excêntrico Napoleão), o autoproclamado novo imperador da cidade, e que acaba lutando na arena dos gladiadores.
Há confrontos sangrentos envolvendo lanças, machados de batalha, carruagens e tigres furiosos e, para responder à pergunta retórica feita por Maximus: sim, nós fomos entretidos.
O surpreendente é o quanto também nos emocionamos com a busca por vingança do guerreiro que se tornou viúvo, algo que tem muito a ver com a atuação melancólica de Crowe, com seu charme de astro de matinê, e com o equilíbrio de Scott entre o espetáculo grandioso e o drama em escala humana.
É o final sobre o qual todo mundo fala — uma verdadeira foto de chegada de foras da lei pisando fundo no acelerador, congelados em um triunfo fatalista à la Butch e Sundance para uma nova geração.
Mas aquela imagem icônica da despedida é apenas a nota final da sinfonia honky-tonk que Scott conduz com este filme elegante, emocionalmente vibrante e capaz de conquistar o público, sobre duas amigas que ultrapassam o limite e são forçadas a fugir devido às crueldades acumuladas de um mundo sexista.
Geena Davis e Susan Sarandon receberam merecidas indicações ao Oscar de Melhor Atriz como as personagens-título, sempre tridimensionais mesmo quando Thelma e Louise se tornam cada vez mais heroicamente míticas na reta final.
(Por todos os homens que ficam encarando nossas heroínas ao longo do filme, o olhar lascivo da própria obra recai apenas sobre um jovem galã chamado Brad Pitt, cujo pequeno papel como um atraente caroneiro lançou o ator de 27 anos ao estrelato da noite para o dia.) Vindo de um diretor que frequentemente olha para o passado ou para o futuro, foi uma bem-vinda mudança de marcha rumo a questões contemporâneas.
2º lugar: Blade Runner – O Caçador de Androides (1982).
Carne e osso ou apenas bons circuitos? Décadas depois, os fãs continuam virando aquele origami de um lado para o outro, procurando pistas sobre a verdadeira natureza de Rick Deckard, o herói do noir distópico de Scott que redefiniu o gênero.
(Até hoje, nem o diretor nem o astro conseguem concordar sobre o que se passa por trás dos olhos inquietos do detetive.) Uma coisa é certa: Deckard parece sentir menos profundamente do que suas presas, um grupo de replicantes fugitivos que parecem brinquedos desajustados, mais humanos que os humanos em seu medo neurótico da “aposentadoria”.
Quando o líder replicante de Rutger Hauer, ao mesmo tempo aterrorizante e trágico, revela sua alma sob a chuva, ele se torna um símbolo de todo o empreendimento sedutor: frio e elegante por fora, mas com um coração sintético pulsando calorosamente por dentro.
Tão influente em sua visão suja do futuro quanto o clássico ambientado no espaço profundo que Scott havia feito pouco antes (veja o nº 1 abaixo), Blade Runner continua brilhando intensamente.
Você não precisa de uma máquina Voight-Kampff para enxergar sua humanidade ferida. — AAD.
